La rédactrice de cet article est Anaïs Carvalho. Très active au niveau de la photographie, principalement argentique, sur les réseaux sociaux, c’est sur son Twitter que j’ai eu la chance de faire sa connaissance.  Elle se définit comme passionnée partageant sa vision en utilisant le support de la photographie. Je vous invite sincèrement à retrouver son travail sur son site Internet : http://www.mavisiondeschoses.fr/

L’ensemble du projet de Focale Alternative est avant tout un partage des pratiques photographiques. Ne sachant pas développer mes pellicules couleurs, Anaïs Carvalho s’est proposée de partager ses connaissances et sa passion de l’argentique. Cet article entre donc dans une lignée d’échange où j’espère, tout comme moi, que vous aurez appris de nouvelles choses en ce qui concerne le développement de vos pellicules couleurs et surtout, entrer dans une phase de curiosité qui vous poussera à en savoir décidément toujours plus.

Je remercie donc Anaïs Carvalho pour les nouveaux horizons qu’elle m’a permis de découvrir grâce à sa participation sur le blog de Focale Alternative. J’espère que ce partage continuera vers une prolongation dans le FA Magazine.

Introduction

Beaucoup de photographes qui sont restés à l’argentique, travaillent préférentiellement avec des films noir et blanc. Pour moi, l’une des raisons de ce choix, c’est la facilité du développement et du tirage. En effet, ces étapes sont plus difficiles en couleur car la première nécessite un contrôle parfait de la température et la seconde doit se faire entièrement dans le noir.

Mais dernièrement, ayant travaillé avec quelques pellicules couleurs et souvent avec des pellicules noir et blanc se développant en chimie C-41, je me suis dit : « Pourquoi ne pas tenter ? Cela ne doit pas être si compliqué au final. »

D’autre part, j’ai effectué une petite comparaison des coûts de développement en laboratoire ou maison et le premier est environ deux fois plus cher. Alors sur une pellicule, cela ne vaut pas le coup mais pour une dizaine, nous pouvons y réfléchir à deux fois.

Une fois ma décision prise, me voilà dans mon magasin photo préféré pour acheter un kit C-41 dédié au développement de négatif couleur.

La température

La particularité du développement d’un négatif couleur est qu’il vous faut travailler en température constante, généralement à 38°C (± 0,2 ce qui implique un contrôle précis de la température des différents bains). Pour cela, deux solutions s’offrent à vous : la cuve JOBO ou le bain-marie thermostaté.

La cuve JOBO est la solution la plus pratique. En effet, sur cette cuve, vous n’avez qu’à charger les bains dans les différents compartiments dédiés à cet effet, régler les temps de chaque bain et la cuve s’occupe du reste. Cependant, cette cuve reste, à mon avis, assez onéreuse. D’occasion, il faut compter environ 300 euros.

Travaillant dans un laboratoire de recherche, j’ai à disposition, toute une collection de matériaux les plus perfectionnés. Il s’agit d’un bain-marie industriel avec une résistance, pour chauffer l’eau à la température voulue, et d’un thermomètre pour contrôler cette température en permanence.

C’est donc cette solution que j’ai choisie. Cependant, il s’agit d’une solution de substitution. En effet, le développement d’un négatif couleur, à la différence du noir et blanc, nécessite une constante agitation des films une fois en bain. Une cuve JOBO fait le travail pour vous mais un bain-marie non. Il vous faudra donc remplacer le moteur de la cuve en agitant tout au long du traitement votre cuve de développement.

L’autre petite adaptation que vous devrez faire est le chauffage des bains qui est fait automatiquement avec la cuve. Personnellement, je prépare 600 ml de chaque bain (pour une cuve deux spires) que je mets à préchauffer environ 1h avant l’emploi ou alors je préchauffe l’eau qui va me servir à faire les bains.

Une fois votre choix concernant le contrôle de la température fait, vous n’avez plus qu’à passer au développement.

Le grand avantage du développement de négatifs couleurs, c’est que vous pouvez travailler des films de différentes sensibilités en même temps. En effet, les temps de traitement sont les mêmes pour toutes les sensibilités de vos films. L’inconvénient, c’est qu’à ma connaissance, on ne pousse pas la sensibilité de pellicules couleurs comme on peut le faire pour des pellicules n & b.

Le développement : Le kit C-41

Ce kit est composé de différents réactifs permettant de préparer un révélateur, un blanchisseur et un stabilisateur. La préparation de ces différentes solutions n’est pas compliquée. Il suffit de suivre les instructions et je conseille, comme pour le développement noir et blanc, d’utiliser de l’eau déminéralisée pour éviter au maximum les traces de calcaire sur le film. Pour cette préparation, pas de matériel particulier : éprouvettes et flacons suffisent.

Comme pour le développement noir et blanc, la première étape est le chargement des films dans les spires et dans la cuve. Je vous renvoie à cet article pour les différentes subtilités de cette étape.

Ensuite, il est conseillé de mettre les films à 37°C avant de commencer les traitements. Il s’agit d’une précaution que je me suis permise d’ignorer sans que cela n’affecte significativement la qualité du développement.

Les étapes du développement

1. Première étape : Le développement commence avec l’étape de révélation dont le temps différents en fonction du nombre de films à traiter : 3min15 pour 1 à 4 films, 3min30 pour 5 à 6 films.

2. Deuxième étape : Ensuite arrive l’étape de blanchiment de 4 minutes. La quantité des films développés ne joue pas ici. C’est un temps identique.

3. Troisième étape : Conseil pratique : Après ces deux étapes cruciales, le maintien de la température à 38°C n’est plus obligatoire.

4. Quatrième étape : Le rinçage. Celui-ci s’effectue à l’eau entre 30 et 40°C. Je vous conseille d’utiliser de l’eau courante et de finir à l’eau déminéralisée afin d’avoir un rinçage plus efficace.

5. Cinquième étape : Demandée par le kit : la stabilisation des couleurs pendant 1 min entre 20 et 40°C. Personnellement, j’ai ajouté une étape : un dernier rinçage à l’eau déminéralisée. Effectivement, j’ai remarqué que le bain de stabilisation laissait de grosses traces blanches. Ce dernier bain d’eau permet de les éviter.

Notez que pour savoir si votre pellicule est bien développée, regardez les bandes présentent sur les marges. Elles doivent être correctement révélées.

Procédés alternatifs

Il est possible de développer les pellicules couleurs à des températures différentes que les 38°C habituels.

Plus froide, à 30°C, ce qui implique des temps de traitement plus longs. Autrement dit, au bain-marie, ce n’est pas l’idéal. Tenir trois minutes en tournant la cuve, cela peut le faire, mais huit ou neuf, cela commence à faire long.

Une température plus chaude, à 45°C, avec des temps de traitement plus courts. L’inconvénient de cette technique est que les solutions ne peuvent être utilisées qu’une seule fois. Alors pour gagner une minute de temps de traitement, je pense que cela n’en vaut pas la peine.

Pour finir

Vous savez donc tout de ma première expérience de développement maison de pellicules couleurs.

La prochaine étape personnelle sera le test du développement de diapo en chimie E-6. En attendant, j’attends avec impatience vos retours sur cette technique à la suite de cet article, sur mon site ou mes réseaux sociaux.

Les Rencontres Photographiques d’Arles 2011 ont mis l’accent cette année sur ces aspects où même la notion d’appartenance d’une image n’existe plus, où copier/coller/prendre sans demander pour recréer est devenu monnaie courante,… C’est dans ce bain bouillant de millions d’images qu’est né le Manifeste : « From Here On » (A partir de maintenant).

Manifeste d’un concept

5 commissaires d’exposition, 36 photographes à qui ce concept donne le nom pompeux d’Acteurs de la seconde révolution numérique. C’est en ces termes que m’attendait  l’exposition à l’atelier mécanique expo n°20 aux Rencontres Photographiques d’Arles.

La genèse de ce travail part du constat que l’extrême échange qui s’est établi au fil du temps entre l’art et la culture populaire. La réappropriation d’objet comme le Dada, Pop Art ont éprouvé le principe même de la réappropriation d’un objet pour le transformer en autre chose. Le pas semble donc facile à réaliser : Est-ce que la réappropriation d’une photographie pour la transformer en autre création fait-elle partie d’un acte artistique ?

La question tournant autour de la photographie reste le droit d’auteur. Ce Manifeste met l’accent sur les dérive de la réappropriation et le culte omniprésent des images à portée de main. Dans un monde où le pouvoir virtuel de la mise en ligne de nos images est fort, comment garder les droits sur une photographie qui n’est plus un objet réel mais bien un ensemble de pixel complètement virtuel et ouvert à tout le monde ?

« From Here On » veut mettre l’accent la révolution d’Internet au même titre que l’essor des procédés d’impression photomécaniques dans les années 1910-1920 qui a favorisé l’apparition du photomontage.

Deux facteurs semblent renforcer le terme d’appropriation digitale :

1. L’hyperaccessibilité aux images des autres qui sont pour nous de véritables inconnus.
2. La banalisation de l’appropriation des images via « Enregistrer sous… », Google Images, le « télécharger » de facebook ou des réseaux sociaux par exemple. Pour aller plus loin, même Google Earth ou Google Maps se sont vus utilisés comme nouvelles ressources artistiques.

Ces deux points précédents offrent une dévalorisation pour l’auteur mais propose un nouveau terreau construit autour de :

1. L’appropriation d’images qu’offre Internet très facilement
2. L’édition
3. La transformation, le déplacement, l’ajout,…
4. La réinterprétation des images d’origine.

« Et si on suicidait nous-mêmes les auteurs ? Quelqu’un a-t-il une corde ? »

L’exposition met en avant un point essentiel qui est celui de la valorisation des amateurs tout en faisant dépérir l’image du véritable auteur. Cette conclusion qui est banale finalement touche de plus en plus des secteurs très divers comme le photojournalisme par exemple (pourquoi envoyer des photographes alors que nous pouvons avoir des images d’une catastrophe en directe grâce au téléphone portable ?).

Je trouve que le Manifeste met en avant un point qui me semble essentiel et dans lequel je me sens concerné. Le sens profond des « artistes » montrés à cette exposition n’est plus de montrer comme des héros les professionnels qui ont un savoir-faire mais bien la mise en avant des passionnés qui pratique leur passion avec force.

Je trouve que le paragraphe précédent est vraiment fort dans sa maturation philosophique. Il suffit de regarder un peu tous les photographes que l’on retrouve sur le web, ceux qui ont un compte « pro »sur Flickr, les artistes qui ne se seraient peut-être pas lancés dans une activité secondaire photographique si le numérique n’existait pas. Il suffit de voir les magazines de qualité en ligne ou les podcasts qui supplantent les radios Fm par exemple.

Cela est d’autant plus véridique quand on voit des photographies papier d’artistes confirmés qui battent des records lors d’enchères et que les photographes utilisant le web ne sont même pas pris en compte par la pseudo-élite des arts de l’image. Le fossé se creuse dans les arts entre ceux qui sont confirmés et font partie de la sphère de l’élite et tous les autres.

Quelques exemples que l’on trouve à l’exposition

• Aram Bartholl : Il met en scène dans la réalité le principe d’onglet que l’on retrouve sur Google Maps et Earth.
• Nancy Bean : Elle a mis une caméra au cou de son chat et prend des photographies ou des petites séquences filmées. Série : « Cat Cam ».
• Martin Crawl : Série mettant en scène un légo dans des anciennes photographies en arrière plan.
• Cum* : Série vidéo qui met en scène des filles qui dansent dans leur salon. « Girls / Room / Dance ».
• Constant Dullaart : Performance vidéo où l’auteur se filme avec une pancarte ovale où il est inscrit DVD. Il veut reproduire l’économiseur d’écran d’un dvd.
• ect…

Sous une autre vision de « From Here On »

Après un grand tapage autour de ce manifeste qui se veut révolutionnaire mettant au coeur de la créativité des images réutilisées sur le net sur le net par des artistes, je ne peux que dire une chose : mais qu’est-ce que c’est que cette bêtise ? Même si un aspect existe, pourquoi encenser l’art du copier/coller de Google Images ?

Alors, j’arrête tout de suite, ceux qui me montreront du doigt en philosophant sur l’art (« Peut-on dire qu’un concept artistique est bon, beau ou laid ? » par exemple) ou en me disant que je fais un procès d’intention injustifié, je leur répondrai : « From Here On« , c’est une masturbation conceptuelle comme on en retrouve autour des film de « grands auteurs » lors du festival de Cannes. « Quel chef d’oeuvre ! », « Quel génie ! », « Quelle vision futuriste d’un art en devenir ! »…

Je simplifierai ce Manifeste en une phrase. « From Here On« , c’est un acte artistique où l’artiste va sur Google images, prend l’image, la retravaille avec d’autres images ou la fait entrer dans un concept grossier mais pensé au préalable. Le Manifeste dit ceci :

Tout ce dont nous avons besoin, c’est d’un oeil, un cerveau, un appareil photo, un téléphone, un ordinateur, un scanner, un point de vie.

Je trouve cette exposition clairement fainéante face à de nombreux photographes inconnus plein de talent. Les commissaires ne sont pas nés de la dernière pluie et ils s’attendaient à ce que leur bébé soit mal perçu. Tout est marqué dans le Manifeste même un soupçon de défense face à la critique.

Nous créons plus que jamais, parce que nos ressources sont illimitées et nos possibilités infinies.

Autre analyse de « From Here On »

Je pourrais continuer ma réflexion mais je vous invite à lire de manière minutieuse un blog que j’affectionne particulièrement et qui propose une véritable réflexion autour de cette exposition qui pour ma part est plus que mitigée… : Le blog Littérature 2.0

Les différentes parties proposées dans ce dossier sur « Les Rencontres d’Arles 2011″

• Les 42ème Rencontres Photographiques d’Arles : introduction
• La photographie mexicaine mise à l’honneur : partie 1
• Retour sur l’exposition de la célèbre valise mexicaine : partie 2
• 30 ans d’images avec le New York Times Magazines : partie 3
• Manifeste  » From Here On ?  » ou la nouvelle culture photo ? : partie 4
• Coups de coeur des Rencontres d’Arles 2011 : partie 5
• Podcasts et vidéo autour des Rencontres Photographiques d’Arles : partie 6

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